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Kategorie: Design

Luxus im Design – wie relevant ist er?

Posted on by Felix Blum

In welchen Bereichen manifestiert sich Luxus heute? Die Antwort lautet – in vielen, und dies gilt insbesondere für Designer. Design wird oft mit Luxusgütern in Verbindung gebracht, was dazu führt, dass viele Kreative gerne hinter die glänzenden Fassaden schauen möchten. Wie drückt sich also Glamour im zeitgenössischen Design aus?

Was ist Luxus und was sind seine Erscheinungsformen?

Luxusansatz ist laut Experten jeder Aufwand, der über das Notwendige hinausgeht, um einem Objekt ästhetische Qualitäten und einen Mehrwert zu verleihen. Mit Hilfe von Luxus fordern Designer täglich alles Banale und Gewöhnliche heraus. Luxus geht nicht nur über das Wesentliche hinaus, sondern ist auch die Ausdrucksweise des Künstlers. Glamour ist mit der Erfahrung verbunden, wenn der Designer das Konzept dessen, was angemessen und vertraut ist, überschreitet. Man kann auch sagen, dass Luxus das Gegenteil von Minimalismus ist. Nach Ansicht berühmter Designer entsteht Luxus aus der ästhetischen Erfahrung mit Dingen. Dabei kann sich jeder seine eigene Vorstellung davon machen. Was für den einen nur praktisch ist, wird für den anderen zum Luxusobjekt.

Zwei Manifestationen von Luxus

Dabei können 2 Manifestationen gefunden werden. Materieller Luxus drückt sich in teurem Schmuck, exklusiven Wohnbereichen und ungewöhnlichen Autos aus. Immaterieller Luxus wird durch interne und immaterielle Gründe motiviert. Der Hauptzweck des Konsums ist nicht Prestige, Ruhm oder Ansehen, sondern Belohnung oder Wohlbefinden. Immaterieller Luxus bezieht sich eher auf emotionale Bedürfnisse und ist daher für andere unsichtbar und nicht greifbar.

Wo ist der Luxus in der Enterprise?

Das Thema Glamour ist für viele Unternehmen relevant. So gestaltet beispielsweise das Amsterdamer Random Studio Showrooms für bekannte Luxusmarken. Auch berühmte Architekten und Stylisten diskutieren über das Thema Luxus. Zudem hält Glamour Einzug in die digitale Welt. Heute wird die Ästhetik von Bitcoins erforscht. Und Pop-Illustratorin Friederike Hantel kreiert luxuriöse Maskottchen und NFTs.

 

Wichtige Trends im Schrift-Design

Posted on by Felix Blum

Trends entwickeln sich stetig weiter. Neue Designs kommen hinzu, alte werden ausgetauscht und noch ältere tauchen wieder unter den neuen Trends auf. Das ist nicht nur in der Mode oder im Interior so, sondern auch in der Schriftgestaltung. Jedes Jahr gibt es Trend-Reports mit Prognosen und Analysen. Und so auch im Bereich der Typografie. Hier werden Entwicklungen im Bereich Design und Gestaltung festgehalten. Dazu werden die Arbeiten von Marken und Agenturen verglichen und zwar auf einem weltweiten Level. Auch das Monotype Studio bereitet jedes Jahr einen Type Trends Report vor, der sich als sehr umfassender Leitfaden beschreiben lässt. Hier werden Kultur, Kunst und Wirtschaft miteinander in Verbindung gebracht. Auch neue Technologien finden hier ihren Platz. Unsere Gesellschaft trägt einen großen Beitrag an den Trends. Pandemie, die Umwelt, all das spiegelt sich in den Trends wider. Dass sich die Zeit durch die Pandemie verlangsamt hat, all das kann man in den Trends wiederfinden. Soziale Medien treiben den Wandel an, aber auch Nostalgie spielt eine Rolle. Ist es nicht faszinierend, dass sich all das in Trends wiederfinden lässt und somit auch in Schriftarten? Alles, was man in seiner Umwelt sieht, wurde durch etwas anderes beeinflusst. Selbst die Schriftarten, mit denen wir immer wieder konfrontiert sind. So entwickeln sich eben Trends. Feine und schlanke Schriftarten finden sich immer mehr wieder. Der Blick bei Schriftarten ist immer auf die Zukunft gerichtet. Influencer tragen einen großen Teil dazu bei. Trend Reports sind einfach immer sehr spannend, um sich auf die nächste Zeit einzustimmen und die vergangene Zeit zu reflektieren.

Reduktion im Design

Posted on by Felix Blum

Die Kunst der Simplizität im Packaging

 

In einer Welt, die immer komplexer und vernetzter wird, sehnen sich viele nach Einfachheit. Dieses Bedürfnis spiegelt sich deutlich in den aktuellen Designtrends wider, insbesondere im Bereich des Packagings. Designer und Marken erkennen die Kraft der Reduktion und nutzen Simplizität nicht nur als Mittel zur Ästhetik, sondern auch als strategisches Instrument zur Kommunikation und Positionierung.

 

Warum Simplizität?

 

Das menschliche Gehirn ist ein komplexes Organ, aber in Bezug auf Design neigt es dazu, das Einfache zu bevorzugen. In einer überfluteten Regallandschaft kann ein minimalistisches Design herausstechen und den Blick des Verbrauchers auf sich ziehen. Es verkörpert Klarheit, Direktheit und oft eine höhere Qualität oder Authentizität. Was einst als avantgardistischer Ansatz galt, hat sich inzwischen als Mainstream etabliert. Marken, von Luxus bis Alltag, vom Start-up bis zum Branchenriesen, alle erkennen den Wert einer reduzierten Ästhetik. Es geht nicht mehr darum, „weniger ist mehr“ als bloßes Credo zu verkünden, sondern vielmehr darum, wie man durch das Weglassen unnötiger Elemente eine klarere und stärkere Botschaft vermitteln kann.

 

Funktionalität trifft Design

 

Simplizität im Packaging-Design bedeutet nicht nur eine Reduzierung des visuellen Rauschens. Es bedeutet auch, dass das Design funktional und benutzerfreundlich ist. Ein klar gestaltetes Verpackungsdesign kann dem Verbraucher helfen, das Produkt besser zu verstehen, den Wert zu erkennen und letztlich eine Kaufentscheidung zu treffen. Ein weiterer Vorteil des minimalistischen Designansatzes ist die Möglichkeit, nachhaltiger zu sein. Eine reduzierte Verpackung verwendet weniger Material und ist damit ressourcenschonender. Marken, die sich für einen einfacheren Ansatz entscheiden, können auch umweltfreundliche Materialien in den Vordergrund rücken, was insgesamt zu einem bewussteren Konsum beiträgt. Ein hervorragendes Beispiel für diese Art von Design ist der wohl weltweit bekannteste Hersteller von Smartphones. Die Marke hat sich seit jeher durch eine klare, reduzierte Ästhetik definiert. Ihre Verpackungen sind oft weiß, wiedererkennbar durch das Symbol eines angebissenen Apfels und legen einen klaren Fokus auf das Produkt und minimalen Text. Das Ergebnis ist ein unverwechselbares und sofort erkennbares Design, das den Wert und die Qualität des Inhalts hervorhebt. Die Reduktion im Packaging-Design ist mehr als nur ein vorübergehender Trend. Es ist eine Reflexion unserer kollektiven Sehnsucht nach Klarheit in einer übermäßig komplexen Welt. Durch das Entfernen von Überflüssigem können Marken klarer kommunizieren, sich von der Masse abheben und letztlich eine tiefere Verbindung zum Verbraucher herstellen. In einer Zeit der Überfrachtung und Informationsüberlastung ist Simplizität das ultimative Luxusgut.

Gestaltung in Ebenen und die Kunst der Überlagerung

Posted on by Felix Blum

Geschüttelt, nicht gerührt

 

Stellen Sie sich vor, Sie sind ein Barkeeper, und statt Getränken haben Sie eine Palette von Typografien zur Hand. Wie James Bond es bevorzugt, wird alles „geschüttelt, nicht gerührt“, wobei Typografien und Stilelemente geschickt gemischt werden, um etwas völlig Einzigartiges zu schaffen. Dies ist der Kern des neuen Gestaltungsstils, der gerade in der Designwelt Wellen schlägt: die Überlagerung von typografischen Elementen in mehreren Ebenen.

 

Mehr als nur Schichten

 

Auf den ersten Blick mag es so erscheinen, als würde das Hinzufügen von Schichten zu einem Design den Raum überladen oder die Botschaft verwässern. Aber in der Praxis beweist diese Methode, dass sie weit mehr als die Summe ihrer Teile ist. Das Überlagern von Typografien kann tatsächlich dazu beitragen, Tiefe, Kontext und eine unverwechselbare Ästhetik in einem einzigen Bild zu schaffen und ermöglicht es, mit einer Vielzahl von Stilen, Gewichten, Größen und Farben zu experimentieren. Stellen Sie sich eine Grundebene vor, vielleicht ein fetter, großformatiger Text. Darauf folgt eine zweite Ebene, vielleicht mit einem subtilen, leicht transparenten Text, der sich über die erste legt. Eine dritte Ebene könnte aus feinen Linien oder Mustern bestehen, die den Raum durchweben und zusammenhalten. Das Ergebnis ist ein lebendiges, dynamisches Bild, das die Augen des Betrachters fesselt und zu weiterer Untersuchung einlädt.

 

Die künstlerische Note

 

Was diese Methode besonders macht, ist die Art und Weise, wie sie ein Gefühl von Bewegung und Lebendigkeit in den Raum bringt. Die Überlagerungen können so gestaltet werden, dass sie schweben, sich verflechten, verschmelzen oder sogar kollidieren, wodurch jedes Design zu einem Kunstwerk wird. Dieser künstlerische Ansatz bietet Raum für Interpretation und gibt Designern die Freiheit, sich über konventionelle Grenzen hinwegzusetzen. Der Erfolg eines solchen Designs hängt mit guter Planung zusammen. Oft ist weniger mehr. Zu viele Überlagerungen können überwältigend wirken, das richtige Gleichgewicht ist entscheidend. Auch sollten sich die Farben ergänzen und nicht miteinander konkurrieren, sodass eine stimmige Farbharmonie erzeugt wird. Ein Trick zur effektiven Gestaltung ist das Spielen mit Transparenzeinstellungen. So wird sichergestellt, dass jede Schicht sichtbar und effektiv ist. Das Überlagern von typografischen Elementen in mehreren Ebenen ist mehr als nur ein Gestaltungsstil – es ist eine Hommage an die unendlichen Möglichkeiten, die sich ergeben, wenn man den traditionellen Ansatz in Frage stellt. Indem man sich von der Zweidimensionalität befreit und sich die dritte Dimension zu eigen macht, entsteht ein Cocktail aus Design, der sicherlich einen bleibenden Eindruck hinterlassen wird.

Dekonstruktion trifft auf Nostalgie

Posted on by Felix Blum

Neuartige Looks durch degenerierte Flächen im Grafikdesign

 

In der ständig wandelnden Welt des Grafikdesigns gibt es einen Trend, der die Kreativen fasziniert: die Kunst der Dekonstruktion. Es handelt sich um einen Stil, bei dem der traditionelle Raumaufbau Schicht für Schicht abgebaut wird, bis neuartige Looks durch degenerierte Flächen entstehen. Das Ergebnis ist eine mutige, fast disruptive Ästhetik, die an die frühen Tage des PC-Zeitalters erinnert.

 

Dekonstruktion: Mehr als nur ein Stil

 

Die Idee der Dekonstruktion im Design ist nicht neu. Bereits in der Architektur und Kunst des 20. Jahrhunderts spielte dieses Konzept eine wichtige Rolle. Im Grafikdesign bedeutet es, bestehende Muster und Strukturen zu zerlegen und sie in einer neuen, oft unerwarteten Weise wieder zusammenzusetzen. Das Ziel? Die Betrachter herausfordern, ihre Wahrnehmung infrage stellen und sie zu einem tieferen Verständnis des Werks führen. Durch das Entfernen, Verschieben und Neuordnen von Elementen auf einer Seite oder einem Bildschirm entsteht eine völlige Neugestaltung des Raumes. Die ursprüngliche „brave“ Komposition verschwindet, um Platz für etwas Dynamischeres und oft Chaotischeres zu machen. Diese degenerierten Flächen, oft mit pixeligen Texturen oder verfremdeten Formen, rufen Erinnerungen an die Ära der frühen PCs und Videospiele hervor. Warum sind diese an die Anfänge des PC-Zeitalters erinnernden Looks so ansprechend? Ein Grund könnte die Nostalgie sein. Für viele von uns symbolisieren diese pixeligen, oft „fehlerhaften“ Designs eine einfachere Zeit. Sie nehmen uns mit zurück zu den Tagen von Windows 95, zu den ersten Computerspielen und zum Geräusch eines 56k-Modems. Zudem symbolisiert dieser Stil auch eine Rückkehr zum Wesentlichen. In einer Zeit, in der wir mit hochauflösenden Bildern und perfektionierten Designs überflutet werden, bietet die Dekonstruktion eine Pause, ein bewusstes Innehalten, ein Wertschätzen der Imperfektion.

 

Die Zukunft der Dekonstruktion

 

Wie bei jedem Design-Trend wird sich auch die Kunst der Dekonstruktion weiterentwickeln. Es wird spannend zu sehen sein, wie Designer diesen Stil in den kommenden Jahren interpretieren werden. Vielleicht wird die nächste Generation von Designern die Pixelästhetik der frühen PCs mit den Technologien von morgen fusionieren. Die Dekonstruktion im Grafikdesign ist mehr als nur ein kurzlebiger Trend. Sie ist eine Reflexion über die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft. Sie fordert uns heraus, über die Grenzen von Design und Technologie nachzudenken und dabei unsere eigene Kreativität neu zu entdecken. Es ist ein Stil, der Mut, Innovation und ein tiefes Verständnis für das Medium erfordert. Und genau das macht ihn so aufregend und relevant.

Back to Bauhaus

Posted on by Felix Blum

Zurück zu starken, aber einfachen Formen

 

Die Bauhaus-Bewegung, die in den frühen 20er Jahren des letzten Jahrhunderts in Deutschland begann, war nicht nur eine Designrevolution, sondern auch ein symbolisches Statement gegen die überflüssige Dekoration und den Ornamentwahn der vorherigen Epochen. Sie vertrat die Philosophie, dass Design sowohl schön als auch funktionell sein sollte. „Form folgt Funktion“ wurde zu ihrem Leitmotiv.

 

Was ist Bauhaus?

 

Bauhaus – ein Name, der Designenthusiasten auf der ganzen Welt vertraut ist. Doch was genau verbirgt sich hinter diesem Begriff? Das Bauhaus war ursprünglich eine Kunstschule, gegründet von Walter Gropius in Weimar, und später in Dessau und Berlin angesiedelt. Es verband Kunst, Handwerk und Technologie und strebte danach, den Nutzer durch einfache, klare Formen und Funktionalität zu begeistern. Ohne unnötige Verzierungen sollte das Objekt oder das Design für sich selbst sprechen. Die Bauhaus-Ästhetik kann als minimalistisch, funktional und geometrisch beschrieben werden. Sie setzte auf klare Linien, einfache Formen und primäre Farben. Diese Prinzipien beeinflussten nicht nur die Architektur und das Produktdesign, sondern auch das Grafikdesign, die Typografie und die Fotografie.

 

Bauhaus trifft auf die 80er Jahre

 

Schauen wir auf das jetzige Jahr, in welchem es eine interessante Wiederbelebung des Bauhaus-Stils, allerdings mit einer modernen Wendung gibt: Anlehnungen an das poppige Grafikdesign der 80er Jahre werden integriert. In einer Zeit, in der Retro wieder in Mode kommt, vermischten Designer das Beste aus beiden Welten. Das Grafikdesign der 80er Jahre war bekannt für seine leuchtenden Farben, mutigen Muster und oft schrille Designs. Im Gegensatz dazu stand das Bauhaus für Zurückhaltung und Klarheit. Die Kombination dieser beiden Stile führt zu einem interessanten Mittelweg: klare, einfache Formen des Bauhaus mit den auffälligen Farbschemata und Mustern der 80er Jahre. Das Ergebnis? Ein Grafikdesign, das modern und frisch wirkt, aber gleichzeitig die zeitlosen Prinzipien des Bauhaus respektiert. Die Designs sind mutig, aber nicht überladen; lebendig, aber dennoch geordnet. In einer Zeit der digitalen Überflutung, in der jeder mit Design-Tools ausgestattet ist, suchen Designer oft nach Wegen, sich abzuheben. Das Bauhaus, mit seiner langen Tradition und seinen klaren Prinzipien, bietet eine solide Grundlage. Durch die Kombination mit den kräftigen Elementen der 80er Jahre wird ein ganz neuer, dennoch vertrauter Stil geschaffen. Das Bauhaus lehrt uns, dass gutes Design zeitlos ist. Selbst fast ein Jahrhundert nach seiner Gründung inspiriert es Designer auf der ganzen Welt. Die Fusion mit den 80er Jahren zeigt, wie alte Designprinzipien in neuem Licht gesehen werden können, und bestätigt, dass echte Kunst und Design immer wiederkehren, sich transformieren und weiterhin inspirieren.

Zwischen Kunst und Kommunikation

Posted on by Felix Blum

Der künstlerische Umgang mit Alltagsgegenständen

 

In der facettenreichen Welt des Designs begegnen wir täglich einer Flut von Schriftarten, die sich in ihrer Form, Größe und Stilrichtung unterscheiden. In den letzten Jahren hat sich jedoch ein Trend entwickelt, der die Grenzen des traditionellen Schriftdesigns sprengt: Gestalter verwenden vermehrt Alltagsgegenstände oder spezifische Objekte des Kommunikationsauftrags, um Botschaften zu übermitteln. Der Ansatz ist nicht nur künstlerisch, sondern auch produktbezogen und bietet damit ein aufregendes, neues Spektrum für Designer und Betrachter.

 

Vom Gebrauchsgegenstand zum Kunstwerk

 

Die Transformation von Alltagsobjekten in Designelemente ist keineswegs neu. Bereits in der Dada-Bewegung oder beim Konzeptkunst haben Künstler gewöhnliche Objekte aus ihrem Kontext genommen und ihnen eine neue Bedeutung gegeben. Im heutigen Designkontext werden diese Objekte jedoch nicht nur als Mittel zum Zweck gesehen, sondern sie werden selbst zum Träger der Botschaft. Beispielsweise könnte ein Designer für eine Bäckerei die physische Textur von Brot nutzen, um das Wort „Frisch“ zu formen. Hier wird nicht nur die Essenz des Produkts – das Brot – in die Kommunikation integriert, sondern auch das taktile Erlebnis des Produkts wird spürbar gemacht.

 

Vorteile und Herausforderungen

 

In einer Welt, in der wir ständig digitalen Inhalten ausgesetzt sind, bietet die Integration von physischen Elementen eine greifbare Echtheit, was Authentizität vermittelt und eine einzigartige und unvergessliche Botschaft erzeugt. Wenn das Produkt oder der Gegenstand, um den es in der Kommunikation geht, direkt in das Design integriert wird, stellt dies eine klare Verbindung zum Produkt her und erzeugt so eine stärkere Resonanz beim Betrachter. Natürlich ist dieser Ansatz nicht ohne Herausforderungen. Ein solches Design kann zeitaufwendig sein und erfordert oft eine präzise Planung und Ausführung. Darüber hinaus kann es schwierig sein, das richtige Gleichgewicht zwischen Lesbarkeit und Ästhetik zu finden. Einige Kritiker argumentieren auch, dass dieser Ansatz nur eine Modeerscheinung sei, die bald überholt sein wird. Doch wie bei jeder Designrichtung geht es nicht nur um den Trend an sich, sondern um die Art und Weise, wie er umgesetzt wird. Die Verwendung von Alltagsgegenständen als Schriftelemente ist ein spannender Ansatz, der Designern die Möglichkeit bietet, jenseits der Grenzen traditioneller Schriftdesigns zu denken und zu arbeiten. Es erinnert uns daran, dass Design überall ist und dass die besten Ideen oft in den einfachsten Dingen liegen. In einer Welt, die ständig nach Neuem sucht, bietet dieser Ansatz eine frische Perspektive auf das, was Design sein kann und wie es uns berührt.

Trends im Grafik Design 2022: Farbenfrohe Mischung oder Nostalgie?

Posted on by Felix Blum

Grafikdesign-Trends sind mehr als nur vorübergehende Modeerscheinungen. Trends zeigen, dass jährliche Grenzen zugunsten von etwas Neuem verworfen werden. Welche Designs lassen also 2022 die Herzen höher schlagen?

Welche Trends sind im Grafik-Design 2022 angesagt?

Im Jahr 2022 erhalten die Stile verschiedener Jahrzehnte ein zweites Leben. Designexperten sagen, dass 2022 ebenso unvorhersehbar wie reich an Innovationen in Grafikdesign und Kreativität ist. Und das wird sich am besten in den Trends des Grafikdesigns widerspiegeln.

#1 Antidesign

Immer mehr neue Apps werden nach strengen Designregeln gebaut: Benutzerfreundlichkeit steht an erster Stelle. Dies bedingt die Einheitlichkeit des digitalen Feldes. Viele Designer haben sich entschieden, dem entgegenzuwirken, indem sie die Regeln weniger streng befolgten. Jetzt wollen sich Antidesigner nicht mehr an diese Regeln halten. Sie verzichten auf traditionelle Designrichtlinien und traditionelle Designästhetik. Die Hauptmerkmale dieses Trends sind rohe Benutzeroberflächen, Asymmetrie, kollidierende Farben, überladene Elemente und mutige Typografie.

#2 Nostalgie für die 90er

Waren die 80er noch vor Kurzem im Trend, bringt 2022 das Grafikdesign der 90er zurück. Diese Richtung basiert auf einem idealisierten und leicht tristen, nostalgischen Blick in die Vergangenheit. Memphis-Muster, einfache Emoticons und grobe Frames sind wieder zu sehen. Bunte Farbblöcke und leuchtende Schmiere wecken schöne Erinnerungen an eine Zeit, als das Internet nicht für alle verfügbar war.

#3 Ausdrucksstarke, experimentelle Schriften

Die Kommunikation wird immer globaler, und der Bedeutungstransfer zwischen den Kulturen allein mit Hilfe von Worten ist schwierig. Viele Designer sehen darin eine Chance zu glänzen. Fonts werden zunehmend so gestaltet, dass sie die Grenzen der bloßen Lesbarkeit überschreiten und ausdrucksstarke Formen schaffen, die vom Content getrennt sind. Kontrastierende Schriftzüge, atemberaubende Formen und unförmige Kleckse sind 2022 nicht nur möglich, sondern willkommen.

#4 Y2K-Design

Um die Jahrtausendwende war man sich sicher, dass die Technologien nichts nützen würden. Als sich dies als falsch herausstellte, führte das Erleichterungsgefühl zu einem neuartigen digitalen Optimismus. In den letzten Jahren haben jedoch soziale Netzwerke und Fake Nachrichten die Existenz der Digital-Technologien stark getrübt. Jetzt versuchen die Kreativen, das anfängliche Interesse mit dem Y2K-Design wieder zu entfachen. Diese Ära der späten 90er/frühen 2000er ist geprägt von Low-Poly-CGI, rauen Benutzeroberflächen, Bubblegum-Rosa und -Blau oder schillernden Farben, die an ein CD-Cover aus dem Jahr 2000 erinnern.

Prototypen

Posted on by Felix Blum

Wie wichtig eine Funktionsdemo sein kann

 

Der entscheidende erste Schritt eines Designs, der oft übersehen wird, aber von entscheidender Bedeutung ist, ist die Erstellung eines Prototyps. Ein Prototyp ist eine funktionale Demonstration eines Designs, und er kann das Leben von Designern und Entwicklern erheblich erleichtern. In diesem Artikel werfen wir einen Blick auf die Bedeutung von Prototypen und wie Software wie Sketch und Invision in den letzten Jahren das Spiel verändert haben.

 

Der Beginn des Prototyping-Zeitalters


Im Jahr 2010 kommt Sketch, eine Designsoftware für Mac, auf den Markt. Die Software wird schnell zum Favoriten von Designern auf der ganzen Welt. Was Sketch so besonders macht, ist seine Fähigkeit, den Erstellungsprozess von Prototypen zu revolutionieren. Zum ersten Mal können Designer schnell und einfach klickbare Dummies von Websites und Apps erstellen, als ob sie bereits fertig wären. Ein Jahr später, im Jahr 2011, erweitert Invision die Möglichkeiten für Prototyping und das Testen von Benutzeroberflächen (UI) erheblich. Invision bietet eine umfassende Plattform, auf der Designer und Entwickler nahtlos zusammenarbeiten können. Mit Invision ist es nicht mehr nur möglich, statische Designs zu zeigen, sondern auch interaktive Prototypen zu erstellen, die das Verhalten einer Website oder App realistisch simulierten.

 

Die Vorteile von Funktionsdemos


Prototypen sind wichtig und bieten eine Vielzahl an Vorteilen. Zum einen ermöglichen sie einen frühzeitigen Einblick in das Konzept, sodass Designer und Stakeholder schon in einer frühen Phase des Projekts eine realistische Vorstellung davon bekommen, wie die endgültige Website oder App funktionieren wird. Durch das Testen von Prototypen können Designer frühzeitig erkennen, wie sich Benutzer auf der Seite zurechtfinden und welche Bereiche möglicherweise verbessert werden müssen. Prototypen tragen dazu bei, teure Änderungen in späteren Phasen des Projekts zu vermeiden, da Probleme bereits in einem frühen Stadium erkannt und behoben werden können. Die Klarheit in der Programmierung wird gefördert, da Entwickler den Vorteil haben, anhand eines Prototyps genau zu sehen, wie die Benutzeroberfläche funktionieren soll. Zuletzt dienen Prototypen auch als Kommunikationsmittel zwischen Designern, Entwicklern und Stakeholdern, um sicherzustellen, dass alle die gleiche Vision teilen. In einer Welt, in der Zeit und Effizienz entscheidend sind, haben Softwarelösungen wie Sketch und Invision die Art und Weise, wie Designer und Entwickler zusammenarbeiten, grundlegend verändert. Sie haben die Möglichkeit geschaffen, Ideen schnell zu visualisieren, Benutzererfahrungen zu testen und eine klare Grundlage für die Programmierung zu schaffen. Prototypen sind zu einem unverzichtbaren Werkzeug geworden, das Designer und Entwickler gleichermaßen schätzen. So tragen sie dazu bei, bessere Produkte und Websites für unsere digitale Welt zu schaffen.