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Kategorie: Design

Tradition

Posted on by Felix Blum

Die Bedeutung traditioneller Muster und Symbole im modernen Design

 

Traditionelle Muster und Symbole haben eine reiche Geschichte und kulturelle Bedeutung, die bis in die Antike zurückreicht. Im modernen Design finden diese traditionellen Elemente oft neue Anwendungen und Interpretationen. Dieser Artikel beleuchtet die Bedeutung traditioneller Muster und Symbole im modernen Design und ihre Rolle in der Schaffung von kulturell relevanten und ästhetisch ansprechenden Werken.

 

Kulturelle Bedeutung traditioneller Muster und Symbole

 

Traditionelle Muster und Symbole sind tief in den Kulturen und Traditionen verschiedener Gesellschaften verwurzelt. Sie erzählen Geschichten, vermitteln Werte und dienen als Identifikationsmerkmale. Die Verwendung dieser Muster und Symbole im modernen Design kann dazu beitragen, kulturelle Identität zu bewahren und zu fördern. Ein Beispiel für die kulturelle Bedeutung traditioneller Muster ist das Paisley-Muster, das aus Persien stammt und oft in Textilien und Kunstwerken verwendet wird. Im modernen Design findet man Paisley-Muster in Mode, Inneneinrichtung und Grafikdesign. Durch die Verwendung dieses traditionellen Musters können Designer kulturelle Verbindungen herstellen und den kulturellen Reichtum in ihren Werken feiern. Symbole wie das Ankh, ein altägyptisches Symbol für Leben, oder das Yin-Yang-Symbol aus der chinesischen Philosophie, haben ebenfalls tiefe kulturelle Bedeutungen. Im modernen Design können diese Symbole verwendet werden, um Konzepte wie Leben, Harmonie und Balance darzustellen. Die Integration solcher Symbole kann den Werken eine tiefere Bedeutung und eine kulturelle Resonanz verleihen.

 

Anwendung traditioneller Muster und Symbole im modernen Design

 

Im modernen Design können traditionelle Muster und Symbole auf vielfältige Weise angewendet werden, um ästhetisch ansprechende und bedeutungsvolle Werke zu schaffen. Ein Ansatz ist die Neuinterpretation traditioneller Elemente in einem modernen Kontext. Dies kann durch die Anpassung von Farben, Formen und Kompositionen erfolgen, um den traditionellen Mustern und Symbolen eine zeitgemäße Note zu verleihen. Ein Beispiel für diese Neuinterpretation ist die Verwendung von traditionellen japanischen Kimonodesigns in moderner Mode. Designer nehmen die traditionellen Muster und passen sie an moderne Schnitte und Stile an, um einzigartige und kulturell inspirierte Kleidungsstücke zu schaffen. Diese Kombination von Tradition und Moderne schafft Werke, die sowohl kulturell relevant als auch zeitgemäß sind. Ein weiterer Ansatz ist die Verwendung traditioneller Muster und Symbole als Inspiration für neue Designs. Designer können die Elemente analysieren und ihre grundlegenden Prinzipien und Bedeutungen verstehen, um daraus neue Muster und Symbole zu entwickeln. Dies ermöglicht es, die Essenz der Tradition zu bewahren, während gleichzeitig innovative und originelle Designs entstehen. Die Bedeutung traditioneller Muster und Symbole im modernen Design liegt nicht nur in ihrer visuellen Schönheit, sondern auch in ihrer Fähigkeit, Geschichten zu erzählen und kulturelle Verbindungen herzustellen.

Schriftdesign

Posted on by Felix Blum

Historische Entwicklung der bewegten Kalligrafie

 

Bewegte Kalligrafie, die Kunst der animierten Schriftzüge, hat eine faszinierende Entwicklung durchlaufen. Von frühen handgezeichneten Animationen bis hin zu modernen digitalen Techniken hat sich diese Kunstform stetig weiterentwickelt. In diesem Artikel werfen wir einen Blick auf die historische Entwicklung der bewegten Kalligrafie und ihre Bedeutung in der modernen Designwelt.

 

Frühe Entwicklungen und handgezeichnete Animationen

 

Die Anfänge der bewegten Kalligrafie lassen sich bis zu den frühen Tagen der Animation zurückverfolgen. In den 1920er und 1930er Jahren begannen Künstler, handgezeichnete Animationen zu erstellen, die Schriftzüge und kalligrafische Elemente enthielten. Diese frühen Animationen wurden Bild für Bild erstellt und erforderten viel Geschick und Geduld. Ein bemerkenswertes Beispiel aus dieser Zeit ist die Arbeit von Oskar Fischinger, einem deutschen Filmemacher und Animator, der für seine abstrakten Animationen bekannt war. Fischinger experimentierte mit handgezeichneter Kalligrafie und schuf fesselnde visuelle Erlebnisse, die Musik und Bewegung miteinander verbanden. Seine Arbeiten legten den Grundstein für die spätere Entwicklung der bewegten Kalligrafie. Mit der Zeit wurden die Techniken zur Erstellung von Animationen weiterentwickelt, und die Einführung des Films ermöglichte es Künstlern, komplexere und detailliertere Animationen zu erstellen. Handgezeichnete Kalligrafie blieb jedoch eine zeitaufwändige und anspruchsvolle Kunstform, die nur wenigen Meistern vorbehalten war.

 

Moderne digitale Techniken und Anwendungen

 

Der Durchbruch in der bewegten Kalligrafie kam mit der Einführung digitaler Technologien. In den 1990er Jahren begannen Designer, Computer und Software zu nutzen, um animierte Schriftzüge zu erstellen. Diese digitalen Werkzeuge ermöglichten es Künstlern, präzisere und komplexere Animationen zu erstellen, und eröffneten neue Möglichkeiten für die kreative Gestaltung. Ein bedeutender Meilenstein in der modernen bewegten Kalligrafie war die Entwicklung von Motion Graphics. Motion Graphics kombinieren animierte Schriftzüge mit Grafiken, Bildern und Videos, um dynamische und ansprechende visuelle Erlebnisse zu schaffen. Diese Technik wird häufig in Werbespots, Filmvorspannen und digitalen Medien verwendet. Durch die Verwendung von digitalen Werkzeugen und Techniken schafft man fesselnde Animationen, die die Schönheit und Eleganz der Kalligrafie in Bewegung einfangen. Die Bedeutung der bewegten Kalligrafie in der modernen Designwelt liegt in ihrer Fähigkeit, Emotionen und Botschaften auf eine einzigartige und ausdrucksstarke Weise zu vermitteln. Animierte Schriftzüge können die Aufmerksamkeit des Betrachters fesseln und eine tiefere Verbindung zu den Inhalten herstellen. Sie bieten eine kreative Möglichkeit, Texte und Informationen zum Leben zu erwecken und eine bleibende Wirkung zu erzielen. Die historische Entwicklung der bewegten Kalligrafie zeigt, wie sich Technologie und Kunst miteinander verbinden können, um fesselnde und ausdrucksstarke visuelle Erlebnisse zu schaffen.

Social Media Design

Posted on by Felix Blum

Trends und Best Practices

 

Aktuelle Trends im Social Media Design

 

Mit der Flut von KI-generierten Inhalten suchen Nutzer zunehmend nach echtem und authentischem Ersatz. Als Marke profitiert man so, wenn man auf eine ehrliche und transparente Kommunikation achtet. Authentische Bilder, Einblicke hinter die Kulissen und ungeschönte Geschichten kommen bei den Nutzern gut an und fördern das Vertrauen in die Marke. Daneben ziehen Videos und animierte Inhalte mehr Aufmerksamkeit auf sich als statische Bilder. Plattformen wie Instagram und TikTok haben den Trend zu kurzen, fesselnden Videos vorangetrieben. Auch subtile Animationen, wie GIFs oder Cinemagraphs, sind gefragt, da sie die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen und die Interaktionsrate erhöhen. Um Individualität zu fördern, erfreut sich User-Generated-Content wachsender Beliebtheit. Inhalte, die von Nutzern erstellt und geteilt werden, wirken authentischer und vertrauenswürdiger. Marken nutzen UGC, um ihre Community zu stärken und die Bindung zu ihren Followern zu vertiefen. Schon länger begegnet man dem Trend des Minimalismus im Social Media Design. Klare Linien, viel Weißraum und eine reduzierte Farbpalette sorgen dafür, dass die Botschaft im Mittelpunkt steht. Ein minimalistisches Design ist ästhetisch und funktional. Um die Werbebotschaft unvergesslich zu machen, empfehlen sich interaktive Inhalte. Umfragen, Quizze und Augmented Reality (AR) Filter steigern die Engagement-Rate. Sie bieten den Nutzern eine Möglichkeit, aktiv mit der Marke zu interagieren, und sorgen für eine spielerische und unterhaltsame Nutzererfahrung.

 

Best Practices für erfolgreiches Social Media Design

 

Neben den aktuellen Trends gibt es bewährte Best Practices, die sicherstellen, dass Social Media Designs effektiv und wirkungsvoll sind. Eine Markenidentität sollte auf allen Social-Media-Plattformen konsistent sein. Einheitliche Farben, Schriftarten und Bildstile gewährleisten einen wiedererkennbaren und professionellen Auftritt. Eine konsistente Markenidentität stärkt das Vertrauen und die Wiedererkennung einer Marke. Da die meisten Nutzer soziale Medien über mobile Geräte nutzen, sollte jedes Design für mobile Bildschirme optimiert sein. Texte müssen lesbar sein, Bilder schnell laden und wichtige Elemente gut sichtbar und klickbar sein. Responsives Design ist entscheidend für die positive Nutzererfahrung. All das hilft jedoch wenig, wenn der Nutzer die Inhalte einfach überspringt. In sozialen Medien hat man nur wenige Sekunden, um die Aufmerksamkeit eines Nutzers zu gewinnen. Botschaften müssen klar und prägnant sein. Starke visuelle Elemente und kurze, aussagekräftige Texte vermitteln eine Botschaft klar und effektiv. Follower zur Interaktion zu ermutigen wirkt Wunder. Fragen sollten gestellt, zum Kommentieren aufgefordert und Call-to-Action-Buttons integriert werden. Durch den Algorithmus der Plattform wird der Kontent sichtbarer, je mehr Follower mit den Inhalten interagieren. Social Media Aktivitäten zu analysieren ist entscheidend für den Erfolg. Analysetools helfen, die Leistung von Beiträgen zu überwachen und zu verstehen, welche Inhalte bei der Zielgruppe gut ankommen. Basierend auf diesen Erkenntnissen werden Strategien kontinuierlich optimieret. Zuletzt sollte das Vermenschlichen und Emotionalisieren einer Marke beachtet werden. Geschichten binden Menschen stärker als reine Fakten. Mit diesen Praktiken winkt der Erfolg in den sozialen Medien. Trotzdem soll noch einmal betont werden, dass Trends kurzlebig sind und Flexibilität und Offenheit für Veränderungen von höchster Priorität sind.

Inklusivität

Posted on by Felix Blum

Verwendung von taktilem Design und Braille-Schrift

 

Taktile Designs und die Verwendung von Braille-Schrift machen Informationen für sehbehinderte Menschen zugänglich. Diese Techniken ermöglichen es, visuelle Informationen in fühlbare Formen zu übersetzen, wodurch die Barrierefreiheit verbessert wird. In diesem Artikel betrachten wir die Prinzipien des taktilen Designs und die Integration von Braille-Schrift.

 

Prinzipien des taktilen Designs

 

Taktile Designs basieren auf dem Konzept, dass Informationen durch Berührung und Tasten vermittelt werden können. Ein grundlegendes Prinzip ist die Verwendung von erhabenen Linien und Strukturen. Erhabene Linien ermöglichen es sehbehinderten Nutzern, Formen und Muster zu ertasten. Diese Technik wird häufig bei taktilen Karten und Diagrammen verwendet, um geografische oder schematische Informationen darzustellen. Ein weiteres Prinzip ist die Verwendung von unterschiedlichen Texturen. Durch die Variation von Texturen können unterschiedliche Bereiche oder Objekte innerhalb einer Grafik unterschieden werden. Zum Beispiel könnte eine Karte verschiedene Texturen für Wasser, Land und Gebirge verwenden, um diese Elemente voneinander abzugrenzen. Dies ermöglicht es den Nutzern, die Informationen durch Berührung zu interpretieren. Taktile Designs sollten auch klar und einfach gehalten werden, um die Verständlichkeit zu gewährleisten. Komplexe und überladene Grafiken können für sehbehinderte Nutzer schwer zu interpretieren sein. Stattdessen sollten die Designs auf wesentliche Informationen fokussiert und übersichtlich gestaltet sein.

 

Integration von Braille-Schrift

 

Braille-Schrift ist ein Schriftsystem, das aus erhabenen Punkten besteht und von sehbehinderten Menschen durch Tasten gelesen werden kann. Ein wichtiger Aspekt bei der Verwendung von Braille ist die Platzierung der Schrift. Braille sollte immer an leicht zugänglichen Stellen platziert werden, die für die Nutzer einfach zu ertasten sind. Zudem sollte darauf geachtet werden, dass die Braille-Schrift in einer angemessenen Größe und ausreichend Abstand zwischen den Zeichen gesetzt wird, um die Lesbarkeit zu gewährleisten. Es ist auch wichtig, eine klare und präzise Sprache zu verwenden. Da Braille mehr Platz einnimmt als gedruckter Text, sollte der Text kurz und prägnant sein, um Platz zu sparen und die Verständlichkeit zu erhöhen. Die Verwendung von Abkürzungen und Kurzschrift kann ebenfalls hilfreich sein, um den Platzbedarf zu reduzieren. Die Integration von Braille-Schrift ergänzt diese Designs und stellt sicher, dass textbasierte Informationen für alle Nutzer zugänglich sind. Taktile Designs und Braille-Schrift sind wichtige Werkzeuge für die Förderung der Barrierefreiheit und Inklusion im Design.

Musik oder Sounddesign?

Posted on by Felix Blum

Die Gestaltung von Zeitkunst

 

Wenn wir über Design sprechen, denken wir oft an visuelle Elemente: Farben, Formen, Muster. Ebenso wichtig, wenn nicht sogar entscheidender in vielen Kontexten, ist das Design von Zeitkunst, besonders in Bezug auf Sound und Musik. Zeitkunst definiert sich durch die Dramaturgie ihrer Spielzeit und den Spannungsbogen, der die Aufmerksamkeit des Zuhörers aufrechterhält. Musik und Sounddesign sind zwei Ebenen der Zeitkunst, die oftmals miteinander verschmelzen, sich aber dennoch in ihrer Intention und Wirkung unterscheiden. Während Musik oft darauf abzielt, Emotionen hervorzurufen oder eine Geschichte zu erzählen, fokussiert sich Sounddesign auf die Erschaffung einer Atmosphäre, die den Kontext oder den Hintergrund einer Szene, eines Films oder eines Spiels verstärkt. Die Herausforderung für jeden Sounddesigner oder Komponisten ist es, einen abwechslungsreichen Spannungsbogen zu schaffen. Zu langes Verweilen in einem Ton oder zu viel Wiederholung ermüdet den Zuhörer, während zu viel Abwechslung überfordert. Es ist eine Balance zwischen Vertrautheit und Neuheit, die gefunden werden muss.

 

Die vier Ebenen der Zeitkunst

 

Zu den vier Ebenen der Zeitkunst gehören Sprache, Musik, Atmosphären und Effekte. Das gesprochene Wort trägt eine immense Macht in sich. Es kann Geschichten erzählen, Informationen vermitteln und Emotionen hervorrufen. In der Zeitkunst dient Sprache oft als primäres Mittel zur Kommunikation und zur Führung des Zuhörers durch die Handlung. Musik erzeugt Emotionen. Sie kann triumphierend, melancholisch, beängstigend oder beruhigend sein, je nachdem, welche Instrumente und Melodien verwendet werden. Bei den Atmosphären kommt das Sounddesign ins Spiel. Oft subtil, sind sie dennoch essenziell, um die Welt und das Gefühl eines Ortes oder einer Zeit zu vermitteln. Das sanfte Summen einer Großstadt, das Zwitschern von Vögeln in einem Wald oder das Murmeln eines Baches tragen dazu bei, eine Szene zum Leben zu erwecken. Zuletzt sind Effekte klare, definierbare Geräusche, die eine Handlung der ein Ereignis begleiten. Das Klirren eines Schwertes, Brechen von Glas oder Heulen des Windes. Meist kurz und prägnant, dienen sie dazu, die Aufmerksamkeit auf bestimmte Aspekte der Handlung zu lenken.

 

Horizontale und vertikale Gestaltung

 

Die horizontale Gestaltung bezieht sich auf den Verlauf der Zeitkunst. Es ist der Weg, den der Zuhörer von Anfang bis Ende nimmt, die Reise, die durch die verschiedenen Ebenen geführt wird. Mit der vertikalen Dichte meint man die Tiefe oder Komplexität eines Moments. Ein einfacher Ton hat eine geringe vertikale Dichte, während ein voll orchestriertes Musikstück oder eine komplexe Soundlandschaft eine hohe Dichte aufweisen kann. Die Herausforderung besteht darin, diese beiden Achsen auszubalancieren. Ein Stück kann nicht ständig auf Höhepunkt bleiben, sonst verliert der Höhepunkt seine Wirkung. Ebenso kann es nicht zu still oder zu einfach sein, sonst verliert es die Aufmerksamkeit des Zuhörers. Die Gestaltung von Zeitkunst, sei es durch Musik oder Sounddesign, ist ein komplexes Unterfangen, das sowohl technisches Know-how als auch künstlerisches Gespür erfordert. Es ist die Kunst, den Zuhörer auf eine Reise zu nehmen, ihn zu überraschen, zu bewegen und letztlich zu berühren. Es ist ein Balanceakt zwischen Komplexität und Einfachheit, Lautstärke und Stille, und es ist das, was unsere audiovisuellen Erlebnisse so reich und unvergesslich macht.

iF Design Trend Report 2022 – Zeitgeist und Verbrauchertrends

Posted on by Felix Blum

Verbrauchertrends, Mikrotrends und Tech-Entwicklungen sind ein wichtiger Bestandteil der Arbeit von Designern. Andererseits spiegeln Konsum- und Mega-Trends den langfristigen globalen Wandel auf hochtechnologischer und wirtschaftlicher Ebene wider. Sie betreffen alle Lebensgebiete und wirken sich oft über Jahre hinweg auf die Gesellschaft aus.

423 Seiten für Mega-Trends im modernen Design

Der iF Design Trend Bericht 2022 skizziert die Auswirkungen großer gesellschaftlicher Trends, belegt theoretische Formulierungen mit aktuellen Statistikdaten und korreliert sie mit trendigen Produkten und Dienstleistungen. Herausgeber des erstmals veröffentlichten Berichts ist die Hannoveraner International Forum Design oder iF Design in Kooperation mit dem Frankfurter Zukunftsinstitut. Neun Kapitel zu 9 wichtigsten Trendbereichen. Der Trend Bericht zeigt 9 Trendgebiete, die in Schlüsselcluster unterteilt sind:09

  • Verbrauchertechnologien
  • Haushaltsprodukte
  • Mobilität

Jedes Chapter fängt mit einer Auswertung der heutzutage in der jeweiligen Branche zu beobachtenden Designtrends an. Danach werden 2 soziale Mega-Trends vorgestellt, die einen signifikanten Einfluss auf den Trendbereich haben.

So liest man den Bericht

Schlüsselpunkte in jedem Kapitel widmen sich einem Mega-Trend, der in der heutigen Produktentwicklung noch wenig Beachtung findet, aber in naher Zukunft eine der Hauptrollen spielen wird. Blindspots zeigen, wo immer noch das Potenzial für Innovation besteht oder Nutzerbedürfnisse nicht vollständig berücksichtigt werden. Abschließend wird der wichtigste Content des Chapters konstruktiv und prägnant zusammengefasst. Dieser digitale Report zu aktuellen Entwicklungen liefert viele nützliche Denkanstöße, betrachtet die Zusammenhänge unteilbar und soll Designern damit eine nützliche Grundlage für ihre Arbeit sein. Mit dem iF Design Trend Report 2022 können Kreative ihre jeweiligen Arbeitsbereiche optimieren. Am Ende des Berichts fasst ein Tauchgang in die Design-Theorie neue Designansätze zusammen und bezeichnet die Möglichkeiten eines Paradigmenwechsels.

Für wen ist dieses Werk nützlich?

Alle, die auf die eine oder andere Weise mit Design zu tun haben – egal in welchem ​​Bereich – können auf die Materialien des iF Design Trend Report 2022 zurückgreifen. Der Bericht ist in deutscher und englischer Sprache verfügbar. Die Kosten betragen 199,00 Euro, für die iF-Preisträger gibt es jedoch einen Sonderpreis von 149,00 Euro.

Chip Kidd: Der Meister des Buchdesigns

Posted on by Felix Blum

Buchdesign

 

Jeder, der sich mit der Designwelt auseinandersetzt, wird bei einigen bekannten Namen aufhorchen. Einer dieser Namen ist Chip Kidd. Als einer der renommiertesten Buchgestalter unserer Zeit hat Kidd eine visuelle Sprache entwickelt, die sowohl provokativ als auch tiefgreifend ist. Sein einzigartiger Ansatz hat dazu beigetragen, die Art und Weise, wie wir Bücher wahrnehmen und schätzen, zu revolutionieren. Geboren 1964 in Pennsylvania, USA, begann Kidd seine Reise in die Welt des Designs an der Penn State University. Sein Talent und seine Begeisterung für Design führten dazu, dass er bald nach seinem Abschluss bei Alfred A. Knopf, einem Unterlabel von Random House, angestellt wurde. Hier begann er, Buchcover zu gestalten, die bald die Welt eroberten.

 

Unverwechselbarer Stil

 

Das Markenzeichen von Chip Kidd liegt in seiner Fähigkeit, das Wesen eines Buches in einem einzigen visuellen Statement zu destillieren. Er kombiniert Typografie, Originalillustrationen und Fotografie, um Designs zu schaffen, die oft genauso ikonisch werden wie die Werke, die sie darstellen. Betrachtet man einige seiner bekanntesten Designs, wird schnell klar, warum er als einer der besten Buchgestalter gefeiert wird. Das Cover von Michael Crichtons „Jurassic Park“ glänzt durch das minimalistische Design eines T-Rex-Skeletts, kombiniert mit dem knackigen, fetten Schriftzug des Titels. Eine visuelle, fesselnde Spannung wird geschaffen. Dieses spezifische Design wurde neben dem Buch auch für den Film verwendet und entwickelte sich schnell zu einem der nur für das Buch verwendet, sondern auch für den Blockbuster-Film und wurde zu einem der ikonischsten Logos der Popkultur. Ein weiteres bemerkenswertes Werk ist das Cover von Haruki Murakamis „1Q84“. Hier nutzt Kidd die Dualität der Geschichte, indem er ein rätselhaftes, durchscheinendes Porträt mit überlappenden Monden kreiert, das sowohl die Komplexität der Handlung als auch die Magie von Murakamis Erzählung einfängt.

 

Einfluss und Bedeutung in der Designwelt

 

Kidds Einfluss beschränkt sich nicht nur auf das Buchcover-Design. Er hat auch zahlreiche Essays und Bücher über Design geschrieben und ist ein gefragter Redner bei Designkonferenzen weltweit. Durch seine Arbeit hat er das Bewusstsein für die Kunst des Buchdesigns geschärft und eine neue Generation von Designern inspiriert. Seine Fähigkeit, Geschichten visuell zu interpretieren, hat dazu beigetragen, dass das Buchcover heute oft als ein Kunstwerk für sich betrachtet wird. In einer Zeit, in der digitale Medien dominieren, hat Kidds Arbeit das physische Buch relevanter und attraktiver gemacht. In einer schon mehrere Jahrzehnte andauernden Karriere, definierte Kidd Buchdesign neu und entwickelte eine unverkennbare Handschrift, Visuell beeindruckend, tiefgründig und durchdacht, erzählt jedes seiner Design eine Geschichte für sich. Kidds Beiträge zur Designwelt beweisen sein unglaubliches Talent und sind Testament für die geschichtenschreibende Kraft von Design.

3D-Bilder und Inspiration für die 3D-Visualisierung

Posted on by Felix Blum

Während der Pandemie-Krise hatte Markendesigner Philipp Benguel die Idee, mit weniger Kundenaufträgen mehr zu schaffen. Als Selbstmotivation entschied er sich für BolderVisuals. Dies ist ein Ende 2021 veröffentlichtes Projekt mit Sitz in Zürich. Dank BV gelang es dem Kreativen, weitere neue Aufträge für coole computergenerierte Bildwelten zu bekommen.

BolderVisuals begeistert mit einer Vielzahl an 3D-Bildern und CG-Animationen

Die Pandemie hat Designagenturen und freiberufliche Designer getroffen. Aber sie gab den Kreativen auch mehr wertvolle Zeit, um ihre eigenen Ideen zu generieren und sie zum Leben zu erwecken. So entstand in Zürich das Projekt BolderVisuals, das allen Interessierten seine Perspektive in dreidimensionalen Bildwelten zeigt.

Archiv mit Designservice und Multichannel-Anwendung

Das Motto von BolderVisials lautet: Einfach inspirieren lassen oder direkt herunterladen und verwenden. Allerdings enden die Leckereien dort nicht. Neben dem Archiv fertiger Designprodukte bietet BolderVisuals Designdienstleistungen an. Einschränkungen bei der individuellen Anpassung bestehender Designs werden auf null reduziert, somit sind auch exklusive Neukreationen für Marken und kreative Projekte unterschiedlicher Komplexität möglich. Um Aufmerksamkeit zu erregen, muss ein Bild mehr können, als nur gut auszusehen. Wichtig ist auch, dass es über verschiedene Kanäle funktioniert. Bei BolderVisials ist jedes Designkonzept in 12 Variationen zu finden. Mit Bildern und Animationen, Hoch- und Querformaten für mobile Anwendungen und Großformatdruck ist Multichannel jetzt ein Vorteil, kein Hindernis.

Exklusive Lizenz

Der Anbieter stellt die Verbreitung von 3D- und Computergrafiken unter einer exklusiven Lizenz zur Verfügung. Damit erwirbt der Nutzer das ausschließliche Recht, das Kunstwerk für den gewünschten Zeitraum zu nutzen. Um die Exklusivität zu gewährleisten, ist die Nutzung nach Ablauf der Frist nicht mehr gestattet. Nach Erwerb des Nutzungsrechts an einem Kunstwerk wird dieses aus dem Archiv entfernt und steht für die gewünschte Zeit niemand anderem zur Verfügung.

Für wen ist BolderVisuals geeignet?

Dieses Projekt ist für professionelle und kommerzielle Werbung, Marketing und Design konzipiert. Auch eine redaktionelle Nutzung für Zeitschriften, Zeitungen oder Fernsehnachrichten sowie für künstlerische und kulturelle Projekte ist vorgesehen.

Kaltfolienprägung: Das Funkeln im Design

Posted on by Felix Blum

Schillernde Effekte

 

In der Welt des Designs und der Drucktechnik gibt es eine Fülle von Techniken, um einzigartige und beeindruckende Effekte zu erzielen. Eine dieser Techniken, die in den letzten Jahren immer beliebter geworden ist, ist die Kaltfolienprägung. Mit ihrer Fähigkeit, besonders schillernde Farben und einen Look zu erzeugen, der an gefärbtes Chrom erinnert, hat diese Technik viele Gestalter und Marken fasziniert. Doch was genau ist Kaltfolienprägung? Kaltfolienprägung ist eine Druckveredelungstechnik, bei der metallische oder spezialisierte Folien auf einen Druckträger übertragen werden, ohne dass Wärme zum Einsatz kommt. Dies unterscheidet die Kaltfolienprägung von der Heißfolienprägung, bei der Wärme zum Verschmelzen der Folie mit dem Untergrund verwendet wird.

 

Wie funktioniert die Kaltfolienprägung?

 

Der Prozess der Kaltfolienprägung beinhaltet mehrere Schritte, angefangen mit dem Auftragen des Klebstoffs. Ein spezieller, UV-reaktiver Klebstoff wird auf die Bereiche des Druckträgers aufgetragen, auf denen die Folie haften soll. Dies erfolgt in der Regel mittels eines Druckvorgangs, ähnlich wie beim normalen Offsetdruck. Anschließend wird die Folie auf die bedruckte Fläche gelegt. Durch Druck wird die Folie fest an den Druckträger gepresst, sodass sie am Klebstoff haftet. Danach wird der Klebstoff durch UV-Licht ausgehärtet, wodurch die Folie fest auf dem Druckträger fixiert wird. Zuletzt entfernt man die überschüssige Folie, die nicht am Klebstoff haftet, sodass nur das gewünschte Design zurückbleibt. Das bemerkenswerteste Merkmal der Kaltfolienprägung ist der schillernde, metallische Effekt, den sie erzeugt. Die Resultate sind oft mit gefärbtem Chrom zu vergleichen und können je nach Blickwinkel und Lichtverhältnissen variieren. Dies verleiht dem Design eine besondere Tiefe und macht es zu einem Blickfänger.

 

Mögliche Nachteile und kreative Lösungen

 

Wie bei jeder Technik gibt es auch bei der Kaltfolienprägung Herausforderungen. Ein Hauptnachteil ist die Erhöhung auf der Rückseite des Druckträgers an der Stelle, an der die Folie geprägt wurde. Dies kann insbesondere bei feinen und detaillierten Designs zu Unregelmäßigkeiten führen. Jedoch sind Designer kreative Problemlöser. Viele nutzen diesen Effekt zu ihrem Vorteil und integrieren ihn in ihr Design. Anstatt die Erhöhung als Makel zu sehen, kann sie als taktiles Element verwendet werden, das dem Design eine zusätzliche Dimension verleiht. Dies kann besonders bei Visitenkarten, Einladungen oder anderen Drucksachen, bei denen das haptische Erlebnis eine Rolle spielt, beeindruckend sein. Die Kaltfolienprägung bietet Designern eine beeindruckende Möglichkeit, ihren Kreationen einen Hauch von Luxus und Einzigartigkeit zu verleihen. Trotz ihrer Herausforderungen ist die Technik ein Beweis dafür, dass mit Kreativität und dem richtigen Know-how auch vermeintliche Nachteile in besondere Designmerkmale umgewandelt werden können. In der Welt des Drucks und des Designs bleibt die Kaltfolienprägung eine glänzende Option für alle, die nach dem gewissen Etwas suchen.

Sargam Icons: Open-Source-Symbole im minimalistischen Stil

Posted on by Felix Blum

Sargam Icons ist ein Set von rund 700 Symbolen in einem minimalistischen und eleganten Design. Die Open-Source-Symbole sind so konzipiert, dass sie zu den exquisiten Designs von Entwicklern aller Ebenen passen. SVG-Symbole stehen zum kostenlosen Download zur Verfügung.

Einfach herunterladen und verwenden

Für diejenigen, die nach einem grazilen Design mit Betonung auf Einfachheit und Konsequenz suchen, hat Abhimanyu Rana die Symbole auf einem 24×24-Raster entworfen. Die Symbole werden mit SVG-Strichen für maximale Gestaltungsflexibilität erstellt. Mit dieser Technik kann man die Ressourcen digitaler Produkte maximal optimieren, um die Online-Leistung zu verbessern. Die Projektseite wurde sogar zu Github hinzugefügt. Hier erklärt Abhimanyu Rana seine Hauptidee – eine bestimmte Abfolge bereitzustellen und allen Symbolen ein einheitliches elegantes Aussehen zu verleihen. So schuf der Entwickler etwa 230 verschiedene Symbole, die jeweils in den Stilen „Line“, „Duotone“ und „Fill“ verfügbar sind. Dementsprechend sind auf der Sargam Icons-Website rund 700 Dateien zu finden. Die Icons werden im SVG-Format zum Download bereitgestellt und dürfen unter der MIT- oder Open-Source-Lizenz verwendet werden. Die Hauptbedingungen der MIT-Lizenz bestehen darin, Entwicklern, die das digitale Produkt nutzen, Berechtigungen und Verantwortlichkeiten zu erteilen.

Wie beliebt sind Sargam-Icons?

Die Popularität der Symbole von Abhimanyu Rana wächst rasant. Ende 2022 betrug die Anzahl der Downloads des Pakets Sargam-Icons von der Hilfsressource 63 Mal pro Woche. Der Download-Chart weist jedoch einen Aufwärtstrend auf. Der Prozentsatz des Wachstums in einigen Monaten erreichte 600%. Gleichzeitig wird das Icon Pack von nur einer Person gepflegt, die regelmäßig Versionsupdates veröffentlicht. Für wen sind Sargam Icons geeignet? Jeder, der am Entwicklungsprozess beteiligt ist – beruflich oder als Hobby – wird von diesen einfachen Zeichnungen profitieren. SVG-Symbole können von Designern, Web- und Appentwicklern verwendet werden. Die Hauptidee – Eleganz und Vielseitigkeit – ermöglicht es Nutzern, Sargam Icons in fast jedes digitale Projekt einzubetten.